Performance – The Art of Intervention

WE BODIES ist eine Tanz-Performance, welche auf Körperprojektionen aufmerksam macht und durch das Motiv des Monsters eine kritische Begegnung mit Normen und Körperpraxen zulässt. Im Publikumsgespräch mit den PerformerInnen erfahren wir deren Gedanken, Arbeitsweise und Ideen zu ihrer Performance.

Dominique Grisard von The Art of Intervention moderiert das Publikumsgespräch. Bei der kurzen Vorstellungsrunde wird bekannt, dass Michael Turinsky, Teresa Vittucci und Claire Vivianne Sobottke alle als ChoreografInnen und PerformerInnen in Wien tätig sind. Tian Rotteveel, welcher die Musik des Stücks gemacht hat, stellt sich als Bewegungskünstler und Tanzmacher vor.

Das Publikumsgespräch wird mit der Frage zur Arbeit mit dem Monströsen eröffnet. Die PerformerInnen erzählen, wie das Monster als Figur erst im Verlauf des Probenprozesses Form angenommen hat. Erst später haben sie dazu recherchiert. Die Thematik ist aus einer Kollaboration aus drei Menschen entstanden mit unterschiedlichen Zugängen zu diesen Fragen und zum Monster. Besonders reizt sie an der Thematik, dass das Monster nicht kategorisierbar ist, „the monster always escapes“. Das Monster ist „das Undenkbare“ und daher performativ eine interessante Figur. Es entzieht sich den Dualismen Tier/Mensch und Frau/Mann, womit es Identität aufbrechen kann. Durch seine Differenzen und Kuriositäten stellt das Monster die Konstruktion der Realität in Frage. Es hat eine bestimmte Art der Artikulation von Affekt und Lust, die über den normierten Ausdruck hinausschiesst. Es geht nicht darum sich zusammenzureissen, sondern über die Normierung und Regulierung hinauszugehen. Dies hat mit Monstrosität und mit diversen Körpern zu tun, die das Ideal der wohlgeordneten Regulation sprengen. Das Monster, das nicht nur Dualismen aufhebt sondern auch alles beinhaltet, hat eine gewisse Narrenfreiheit, Leute in ihrer konstruierten Vorstellung von Norm zu konfrontieren, den Spiegel vorzuhalten und zu erschrecken.

Grisard stellte daraufhin die Frage, ob es das Ziel der Performer*innen gewesen sei, die Anforderungen an die Souveränität des Körpers zu hinterfragen oder gar aufzulösen. Für die PerformerInnen liess sich dies nicht eindeutig beantworten. Denn sie wollten Sachen zeigen mit denen sie sich in der Gesellschaft stossen. Es gehe ihnen nicht darum mit bestimmten Szenen spezifische Mitteilungen zu machen, sondern vielmehr darum, sichtbar zu machen, wie sie zusammen arbeiten. Der Prozess der Zusammenarbeit hat vor fünf Jahren begonnen, als sie sich zuerst viel mit Intimität befasst haben und damit, was es für ihre drei doch sehr unterschiedlich wahrgenommenen Körper bedeutet. Im Fokus steht die Projektion, welche auf ihre Körper gelegt wird. Teresa wird beispielsweise im Tanzkontext oft als ‚fett‘ bezeichnet, womit viele Konnotationen einhergehen wie faul, kann sich nicht kontrollieren, schüchtern, gut im Bett und gute Blowjobs. Diese Projektionen wirken auch auf die eigene Wahrnehmung von Person und Körper ein und fliessen in den Umgang mit Anderen ein. Michaels Körper wird wiederum assoziiert mit geistig behindert, pervers und infantil. Sich diesen Projektionen zu stellen und mit denen zu arbeiten bezeichnen sie als Exorzismen, die Projektionen werden zurückgeschossen.

Die eigenen, ja intimsten Wünsche sind häufig verwoben mit dem, was von aussen an Bildern tagtäglich an einen herangetragen wird.

Sie geben in ihrer Performance Souveränität also nicht auf, sondern spielen mit Fantasien, Wünschen und Bildern, die verwoben sind mit diesen Projektionen. Die eigenen, ja intimsten Wünsche sind häufig verwoben mit dem, was von aussen an Bildern tagtäglich an einen herangetragen wird. Die Performance kann als Spiel verstanden werden mit diesen im Körper abgelagerten Schichten, als Momentaufnahme und Reflektion der Verwobenheit von Körper und Gesellschaft.

Gesprächsstoff liefert auch die Rolle der Musik. Während ein eingängiges Stück seit fünf Jahren Requisit und Architektur der Performance darstellt, ist die restliche Musik erst spät entstanden. Denn erst drei Monate vor der Uraufführung stiess der Musiker Tian Rotteveel zur Truppe. Im Gespräch erklärt er, dass es ihm darum ging, mit seiner Musik die Exorzismen zu betonen und die bewegenden Körper zu dezentrieren. Die Bewegungsprozesse werden stimuliert und die sich ständig wandelnden Rhythmen geben eine pulsierende Energie. Durch die Mikrotonalität dekonstruierte er die klassische Idee von Schönheit der Musik.

Gesprächsteilnehmende im Publikum waren von der Langsamkeit am Anfang des Stücks fasziniert. Tatsächlich war für die PerformerInnen die unterschiedlichen Tempi zwischen langsam und schnell zentral. Langsamkeit funktioniert als Statement an sich. Sie wollten damit aber auch zeigen, wie unterschiedlich jeder Körper getaktet ist. Gleichzeitig hat der langsame und einleitende Anfang pragmatische Gründe, denn Michael könnte gar nicht eine Stunde durchpreschen.

Bei der Arbeit mit unterschiedlichen Körpern muss eine gemeinsame Zeitlichkeit konstruiert werden. Beispielsweise mussten die PerformerInnen sich damit konfrontieren, wie sie sich zusammen aufwärmen, wobei sie auf die Practice fast and slow gestossen sind. Dabei werden Dinge schneller gemacht als man denkt, oder viel langsamer. Dabei wird Langsamkeit innerlich sehr schnell erlebt, es gibt ganz viele innerliche und äusserliche Impulse und Gedanken.

Micheal arbeitet mit diesen Projektionen, welche durch das Publikum auf seinen Körper gemacht werden. Er erzählt von einer Praxis, die er unterrichtet, das «crip vogueing». Dabei werden Bilder von der Modefotografie durch Minoritäten angeeignet. Herkömmliches Vogueing ist bekanntlich eine extrem schnelle Art zu tanzen, Michael will so die Praxis für andere Körperlichkeiten öffnen und interessiert sich dafür, wie sich diese verändert, wenn sie mit anderer Gelenkartikulation und Raumebenen praktiziert wird. Seine «crip» Aneignung des Vogueing ist humor- und lustvoll und birgt das Potential einer Intervention in herkömmliche Performance-Praktiken.

Das Gespräch bot einen ausführlichen Einblick in die Hintergründe und Ideen zu der aufreibenden Performance, an welche mit diesem neuen Wissen aus anderen Perspektiven erinnert werden kann. Lasst uns Monströses zelebrieren!

Text von Andrina Imboden.

Zur Performance Elegy von Gabrielle Goliath im Rahmen der Dokumentartage It’s the real thing von der Kaserne Basel.

Der Eintritt in die Theodorskirche ist frei, beim Einlass wird jeder Person ein Dokument ausgehändigt. Es ist ein ungewöhnliches Format und dickes Papier. Gleichzeitig wird dazu aufgefordert, sich möglichst weit nach vorne zu setzen. Ich wähle einen seitlichen Platz in der ersten Reihe.

Das ausgeteilte Blatt ist im schummrigen Licht schwer zu lesen, weshalb ich es erst nach der Performance eingehend lese. Die eine Seite ist mit einem Text von Wilhelmina Maema bedruckt, in dem sie Kagiso Maema gedenkt. Auf der anderen Seite werden das Projekt und dessen Anliegen erläutert, darunter Informationen zu Kagiso Maemas Tod. Es ist jedoch nicht möglich alles durchzulesen, da bald das Licht in der hohen Kirche ausgeht und nur noch ein Scheinwerfer den Saal erhellt. Er ist auf ein Podest gerichtet, welches das Licht grell reflektiert. Ein hölzernes Podest auf dem Holzboden der Kirche.

Die Plätze der Zuschauer*innen sind hufeisenförmig um das Podest angeordnet. Das Publikum verstummt, Blicke suchen fragend die Kirche ab, wann und woher die Performer*innen die Bühne wohl betreten. Diese lassen sich jedoch Zeit, bevor dann sieben Personen durch eine Türe durch das Dunkel auf den Lichtkegel beim Podest zusteuern. Sie gehen hintereinander in einer Reihe, der Boden knarrt laut unter ihren Schritten.

Die Performerinnen* tragen verschiedene Kostüme, manche Hosen, manche Kleider, welche jedoch alle schwarz sind. Alle Kostüme unterscheiden sich voneinander und verbinden die Performerinnen* doch in dem trauernden schwarz. Bereits in dieser Kostümwahl wird das Zusammenspiel von Individualität und Kollektiv hervorgehoben, welches sich als Thema durch die Performance zieht.

Die erste Person betritt das Podest und beginnt einen hohen Ton zu singen, wendet sich dann vom Publikum ab und tritt vom Podest, dabei beendet sie den Gesang. Gleichzeitig steigt die nächste Person auf das Podest, wobei sie den Ton der Vorgängerin* bereits aufgenommen hat und denselben Ton auf ihre Art zu singen beginnt. Und so wird der Ton weitergereicht von Perfomerin* zu Performerin*. Nach dem Verlassen des Podests reihen sich die Performerinnen* jeweils wieder in die Schlange vor dem Podest ein.

So fühlt sich das grausame Klagelied an, als wäre es keine Aufführung sondern eine Aufforderung.

Dieser Ablauf, welcher an ein Ritual erinnert, wiederholt sich etliche Male, etwa eine Stunde lang, bis eine der Personen vom Podest weggeht und sich auf eine Bank im Dunkeln niederlässt. Das Ritual geht weiter, der Ton bleibt konstant in den Ohren der Zuschauer*innen schwingend. Nach und nach, sehr langsam folgen vereinzelt die weiteren Performerinnen*, bis nur noch eine Person auf dem Podest steht und den Ton ausklingen lässt. Zu siebt verlassen sie den Kirchsaal durch dieselbe Tür, durch die sie herein gekommen sind. Der Applaus verhallt über der leeren Bühne, das Licht in der Kirche wird wieder heller, die Zuschauer*innen verlassen ihre Plätze.

Die Performance schafft einen intimen Raum der Verwundbarkeit, viel geht in mir vor. Meine Gedanken können nicht davon ablassen, ständig nach Bedeutung und Interpretationsansätzen zu suchen, sich zu fragen, um der Situation weniger ausgeliefert zu sein. Ob ich wohl etwas Wichtiges verpasst habe, was zum besseren Verständnis der Performance verhelfen würde? Die Bedeutung verliert sich in meiner ständigen Suche nach Bedeutung, denn vermutlich könnte ich mehr von der Mitteilung begreifen, wenn ich davon ablassen würde, ständig nach Anhaltspunkten für eine allfällige Interpretation zu suchen.

Die bedeutungsschwangere Kirche und die Kleidung der Performerinnen* kreieren eine schwere und dunkle Stimmung. Der gesungene Ton und die Beleuchtung auf dem Podest bilden dazu einen grellen und hellen Kontrast. Der Vibrato im Gesang einiger Stimmen nimmt einen aufrüttelnden und fast schon alarmierenden Klang an.

Zwischen den Performerinnen* findet keine direkte Interaktion statt, jede* ist für sich, der Blick ist meist gesenkt. Die einzige Begegnung findet statt im gegenseitigen Abnehmen des Tones und im Sich-wieder-in-die-Reihe-Stellen. Auch zum Publikum wird kein (Augen-) Kontakt aufgenommen, die Verbindung besteht lediglich in der Übertragung des Tones, im Teilen des Raumes. So wirken die Performerinnen* nicht wie ein Chor, der gemeinsam ein Trauerlied anstimmt, sondern es sind einzelne Personen, die um einzelne Personen trauern, die Individualität tritt in den Vordergrund. Auch das ungleichzeitige Aufhören der Performerinnen* deutet auf die unterschiedlichen Kapazitäten und individuellen Körper hin, denn jede Person performt, solange sie möchte und kann.

Durch das Zirkulieren und den jeweiligen ‚Soli‘ der Performerinnen* kommt die Assoziation mit einem Vorsingen für eine Prüfung. Dieses Bild wird gestützt durch das Fehlen eines Gemeinschafts- oder Chor-Gefühls, jedoch ist die Stimmung auch keineswegs kompetitiv. Dennoch hinterlässt es einen starken Eindruck der Austauschbarkeit und gleichzeitig der Einzigartigkeit der Performerinnen*.

Auch der Ton wird auf ganz verschiedene Weisen gesungen, sodass die Performance von einem Ton durchzogen wird, welcher zwar immer auf derselben Tonhöhe bleibt, jedoch aus vielen verschiedenen, individuellen Tönen besteht. Das Ende des Gesanges ist nicht absehbar, es gilt, auf Veränderung zu warten und zu wünschen, dass sich was tut. Wann endet der Ton, wann endet die Trauer, wann endet die Gewalt, die hier betrauert wird? Auch der Ton unterstreicht also die Gleichzeitigkeit von Individualität und Kollektiv und verbietet es, Verhältnisse einfach hinzunehmen, ohne sich Veränderung zu wünschen.

In meinen rastlosen Gedanken tauchen Fragen über Fragen auf. Die Form des Quadrates scheint eine Rolle zu spielen, liege ich da richtig? Wenn ja welche? Welchen Ton singen sie und welche Bedeutung hat er? Was spüren die Performerinnen*? Sind sie wütend, traurig oder vorwurfsvoll? Weshalb scheint die Stimmung der meisten so neutral? Wie fühle ich mich? Wer sind die Performerinnen*? Auf der Wange einer Person ist gegen Ende der Performance eine Träne zu sehen. Hat sie Queen Kagiso Maema gekannt? Kennen sie sie alle? Ist die Performance, ist der Ton ein Vorwurf? Eine Strafe? Entzieht sich eine Performance wie diese jeglichen Analyserastern und Interpretationsversuchen?

Das Rätseln über die Performance und das Sehnen nach dem Ende oder der Veränderung des Tones, welcher sich nach späterer Recherche (vermutlich) als ein h herausstellt, ist vielleicht analog zu denken zur Verständnislosigkeit der Femizide und Gewalt an LGBTQI+ Menschen und der Wunsch nach einer gewaltloseren Welt.

So fühlt sich das grausame Klagelied an, als wäre es keine Aufführung sondern eine Aufforderung. Durch die Anwesenheit werden die Zuschauer*innen Teil von einem Trauerritual, sie werden miteingeschlossen und partizipieren durch ihr gemeinsames Gedenken. Die Performance nimmt durch ihr Format mit verschiedenen Auftritten in verschiedenen Städten ein Ritual von gewisser Globalität an. So nehmen Menschen aus aller Welt an der Trauer teil, welche der Ton der Performance transportiert.

Bei erneutem Durchlesen des Handouts (PDF) nach der Performance verstehe ich ihre Intention ein wenig besser, zugleich ergeben auch gewisse Worte im Text nach der Erfahrung mehr Sinn. Beispielsweise wird die Performance als physisch herausforderndes Stück beschrieben, was mir erst einleuchtet, nachdem ich etwa 75 Minuten mit dem hohen h konfrontiert wurde. Oder:

„Die Performances öffnen einen alternativen, intersektionalen Raum, in dem das Trauern als sozial und politisch konstruktive Kraft wirkt – nicht im Sinne einer Heilung oder eines ‚Abschluss-Findens‘, sondern als notwendige und anhaltende Behauptung einer Unauflösbarkeit.“

Darin wird mein Eindruck des Gesanges als gleichzeitiges Anklagen und Beklagen bestätigt.

Die beschriebene Unauflösbarkeit erkenne ich auch in dem Ton, welcher auch nach Ende des Gesanges in meinem Kopf nachhallt. Zurück bleibt ein hilfloses, aufgewühltes Gefühl. Nach der Performance bin ich seltsam konzentriert. Zudem habe ich eine Zeile eines Ska-Liedes im Ohr, welche mich von der Kirche bis nach Hause und ins Bett verfolgt: No, I won’t be the one who’s gonna suffer.

Text von Andrina Imboden.